Lukas Truniger es un artista multidisciplinar suizo cuyo trabajo fusiona arte, ciencia y tecnología. Con un enfoque en instalaciones multimedia y narrativas sistémicas, su obra explora las intersecciones entre lo artificial, lo natural y lo cultural. Truniger utiliza medios generativos para captar los momentos en que el orden y el significado emergen del caos, desafiando las percepciones tradicionales. Algunas de sus instalaciones interactivas invitan al espectador a participar activamente, fomentando una conexión profunda entre la audiencia y la obra. Inspirado por la evolución convergente de la tecnología y la naturaleza, Truniger investiga cómo los sistemas naturales y artificiales pueden integrarse de manera sostenible. Entre sus proyectos más inminentes Truniger tiene prevista una colaboración con el Lethargy Festival en Zúrich, así como una residencia en LABoral de Gijón para finales de 2024. Siempre en continua evolución, su arte trata de reflexionar sobre la complejidad de la condición humana.
Para aquellos que no conocen tu trabajo, ¿cómo describirías tu estilo artístico y tu enfoque a la hora de crear obras de arte interactivas?
Mis esfuerzos artísticos se centran en instalaciones multimedia, performances y narraciones sistémicas en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología. Me esfuerzo por materializar aspectos ocultos de nuestra sociedad contemporánea y provocar la contemplación de la dinámica social. De hecho, estoy muy interesado en los medios generativos, aprovechando la naturaleza mimética de estas tecnologías para profundizar en la interconexión de los sistemas artificiales, naturales y culturales, intentando difuminar la supuesta división entre ellos. Creo que estas técnicas son una excelente manera de capturar los momentos esquivos donde el orden y la forma, incluso el sentido y el significado emergen del ruido aleatorio, este precioso espacio entre el reino estático y el caótico, como es típico de la vida.
¿Cómo combinas entornos artificiales con sistemas naturales en tu arte y qué te inspiró a explorar esta idea de “naturalezas sintéticas e infraestructuras realistas”?
Esto es algo que me impulsa mucho en mi trabajo. Estoy convencido de que debemos revisar cómo se interconectan los sistemas naturales con los artificiales. Las delimitaciones de lo cultural y lo natural se están volviendo más fluidas gracias a los avances, a medida que se expande nuestra comprensión de la complejidad de la naturaleza. Por ejemplo, me inspira mucho poder observar de qué manera varias plantas, al igual que ocurre con los humanos, han desarrollado una forma de tecnología de red descentralizada de forma independiente y convergente. Obviamente, han surgido enfoques completamente diferentes, pero todos forman una infraestructura entrelazada tanto de energía como de información. Nuestros sistemas se basan en señales eléctricas con enormes necesidades de energía electrónica, mientras que las plantas suelen aplicar un sistema de redistribución simultánea de información y nutrientes. Este reciente cambio de paradigma en la comprensión científica de las "tecnologías" de comunicación entre diferentes especies y su evolución convergente ofrece nuevas pistas para el diseño de nuestras infraestructuras, ya que el estado actual de la tecnología es destructivo e insostenible.
¿Cuál es tu proceso creativo habitual al desarrollar una nueva obra o instalación?
Mi proceso creativo a menudo comienza con ideas abstractas, experiencias perceptivas o conceptos tecnológicos que me intrigan. Puede ser un algoritmo para inteligencia artificial, por ejemplo, o una topología de red o incluso una especie de marco cultural como son las pistas de baile. A partir de ahí, tejo narrativas que exploran condiciones sistémicas o cuestionan nuestras experiencias sensoriales.
¿Qué papel juega la interacción con el público en tus obras? ¿Hasta que punto influye la respuesta del espectador en tu proceso creativo?
Creo que el arte realmente cobra vida a través de la interacción entre la obra de arte y el espectador. Observar cómo el público interpreta e interactúa con mis instalaciones informa y enriquece mi proceso creativo, mientras me esfuerzo por crear experiencias inmersivas que generen narrativas personales. Siempre es un placer ver cómo las personas pueden extraer ideas y conocimientos de una instalación abstracta como la mía. Creo que esto conduce a una experiencia mucho más transformadora que una narrativa predeterminada.
“Una obra de arte sólo existe cuando el espectador la ha mirado. Hasta entonces es sólo algo que se ha hecho, que podría desaparecer y nadie se enteraría..." (Marcel Duchamp)
Has descrito tus experiencias como “un desafío a las modalidades de la percepción humana mediante el uso de medios generativos”. ¿Cómo crees que la tecnología y el arte pueden colaborar para reflejar la complejidad de la condición humana de una manera única y evocadora?
La tecnología ofrece una lente a través de la cual podemos examinar nuestra relación con la naturaleza y la sociedad. Al aprovechar la inteligencia artificial y otras herramientas, podemos imitar y reflexionar sobre las capacidades humanas, fomentando una comprensión más profunda de nosotros mismos dentro de un ecosistema más amplio. La inteligencia artificial generativa es muy intrigante como entidad reflexiva, una idea o concepto humano artificial que funciona por sí solo. Hay un gran potencial de introspección cultural en estas herramientas. Por medio de la inteligencia artificial, intentamos imitar artificialmente algunas de nuestras competencias esenciales, como la creación de arte y diseño, y reflejamos nuestras propias habilidades a través de estas entidades digitales. Esto puede ayudar a establecer un concepto más inclusivo e interconectado de nosotros mismos dentro de la naturaleza.
Recientemente has mostrando tu pieza “An automated Self (non-interactive version)” en MØSAÏS (una tienda atelier de bisutería futurista que combina artesanía y tecnología en pleno barrio de Marais en París). ¿Puedes contarnos más sobre este proyecto?
La instalación consta de dos pantallas LED deconstruidas que muestran secuencias de vídeo generadas por IA, modeladas a partir de la dinámica de las redes sociales. Los algoritmos de IA tienen el desafío de recrear el flujo de las mismas transmisiones con las que fueron entrenados originalmente, formando un circuito de retroalimentación entre los actores generadores y observadores. Esta pieza reflexiona sobre nuestras interacciones cada vez más impulsadas por algoritmos que dan forma a nuestras percepciones y comportamientos, a través de interacciones siempre repetidas con entidades computacionales. Está fuertemente inspirado en fenómenos en línea que presentan interacciones entrelazadas entre algoritmos humanos, como la suplantación de personajes no jugadores (NPC) de juegos populares o memes. Creo que nuestras mentes se programan de alguna manera en ese proceso y que se parecerán cada vez más en su dinámica a estos algoritmos. Estas dinámicas son muy nostálgicas y autorreferenciales, por lo que estoy muy interesado en ver cómo salir de este bucle nuevamente.
La colaboración con MØSAÏS fue iniciada por una amiga de Zurich, Miranda Kaloudis, diseñadora de moda para su propia marca MKD. Baptiste Morel, de MØSAÏS, buscaba presentar arte digital en su tienda y nos presentó. Fue una buena combinación, tenemos intereses estéticos y conceptuales muy similares.
Obras interactivas como “Latent Realities” exploran aspectos ocultos de la sociedad contemporánea a través de espacios virtuales y físicos. ¿Cómo se activa esta obra?
"Latent Realities" crea una intersección lúdica entre los reinos virtual y físico, invitando a los espectadores a explorar dimensiones virtuales dentro de un espacio tangible aunque fugaz. A través de una red de rayos de luz y controladores interactivos, los espectadores interactúan con aspectos ocultos de nuestra realidad, incorporando conceptos inmateriales para una exploración más profunda. La instalación es un intento de recrear este dilema de una manera lúdica: un espacio virtual se impone en un espacio físico vacío como una superposición de un sistema de coordenadas invisible de una realidad latente dentro de la física. Gracias a una red de rayos de luz, poco a poco se van revelando diferentes aspectos de esta virtualidad. La luz recorre formas y arquitecturas invisibles. El público puede interactuar directamente con el espacio virtual gracias a los controladores de juego, lo que le permite explorarlo más por sí solo. La pieza sirve como un portal entre el espacio real y el espacio virtual y refleja nuestra necesidad de encarnar conceptos inmateriales para investigarlos más a fondo.
¿Cómo desafía tu instalación “artificial weather”, en colaboración con Itamar Bergfreund y Bruce Yoder, nuestras percepciones de la naturaleza, la tecnología y la interacción humana con el medio ambiente?
La instalación emplea un proceso de imitación integral, invitando al público a participar en este ejercicio de mimetismo. Al generar minuciosamente estos fenómenos atmosféricos con medios sintéticos y tecnológicos, la instalación recrea artificialmente los procesos implicados y arroja luz sobre los delicados equilibrios necesarios para que tales fenómenos se produzcan. Desenreda el funcionamiento interno de nuestro mundo, creando una experiencia que permite la interacción directa con las condiciones físicas de nuestra realidad. El proyecto plantea diferentes cuestiones sobre la interacción con nuestro entorno y explora nuestro deseo inherentemente humano de imitar, así como nuestra ilusión de eventualmente controlar la naturaleza. Nuestro objetivo es crear una experiencia de profundo respeto por la naturaleza simulando estos fenómenos en circunstancias inesperadas, fomentando una experiencia transformadora.
¿Qué otros artistas y creadores te parecen interesantes?
Me inspiro en una amplia gama de artistas, particularmente aquellos con formación multidisciplinaria. Yiannis Xenakis, John Cage y Jenny Holzer, pero también personas como Memo Akten resuenan en mi, ya que su trabajo abarca varios medios y desafía las fronteras
artísticas.
El pasado mes de junio presentaste un nuevo proyecto para la Nuit Blanche de París. ¿Puedes contarnos de qué trataba?
En la Nuit Blanche de París presentamos un proyecto expositivo completo, junto con mi colaborador Bruce Yoder. Mostramos tres proyectos, entre los que se incluían dos nuevos. Los tres proyectos siguieron el mismo enfoque: imitamos diferentes fenómenos atmosféricos por medios artificiales y tecnológicos. Las tres instalaciones tenían formas muy diferentes: una pantalla LED deconstruida que reproducía la lluvia algorítmica, una instalación que creaba nubes artificiales con aire comprimido y humo escénico (“Ethereal Fleeting” de 2018) y por último una sala oscura llena de fragmentos fugaces de un arco iris artificial.
Fue un gran placer mostrar juntos estos proyectos visualmente distintos y resultó ser un gran éxito. Asistieron casi 1000 personas durante la Nuit Blanche.
Además, fue muy interesante trabajar con el centro cultural llamado Transfo. Un lugar bastante singular en su enfoque. Es el centro cultural de la organización benéfica francesa llamada Emmaüs Solidarité. Actualmente, están desarrollando su propio discurso cultural junto con las actividades sociales de Emaús y ahora son reconocidos como una auténtica institución cultural, al tiempo que defienden los valores y misiones fundamentales de la organización benéfica.
Además, a finales de 2024 serás uno de los artistas del programa de residencias de LaBoral de Gijón. ¿Puedes contarnos en qué consistirá esta residencia?
Junto con Bruce Yoder, continuaremos nuestra investigación sobre la imitación de fenómenos atmosféricos ópticos como arco iris y halos. Durante la residencia, finalizaremos una instalación de iluminación a gran escala. Consistirá en fenómenos holográficos en 3D, materializados en el espacio. Queremos producir un encuentro extraño y ajeno con las condiciones físicas que definen nuestro mundo. La pieza se estrenará en uno de los enormes hangares de 700m2 de LABoral a principios de diciembre. Es un entorno ideal para una instalación de arte con luz transitoria como ésta. Y un gran placer seguir los pasos de artistas como Anthony McCall y Ryoji Ikeda, que anteriormente han expuesto su obra en el mismo espacio.
¿Algún otro proyecto futuro que puedas revelar?
Sí, voy a participar en la creación de una nueva instalación de luz y en la co-curación de la exposición para el próximo Lethargy Festival en Zúrich. En este momento estoy en el proceso de desarrollar un entorno escenográfico que se extenderá por la extensa zona exterior del festival, utilizando casi 700 metros de tiras de LED. Dará forma visual al recinto del festival (la Rote Fabrik a orillas del lago de Zúrich) y proporcionará a los visitantes impulsos mediante sus patrones de luz generativos.
También se acaba de confirmar otra exposición en la que mostraré mi instalación “Distributive intelligence | A group mind” en Sonica en Glasgow a mediados de septiembre, un festival emocionante en la intersección de la música y las artes visuales. No me aburriré hasta fin de año ;).